Послевоенное искусство Японии: основные движения

Автор: Мария Пузырева

Вторая мировая война изменила для Японии очень многое в политике, в экономике, в быту и, конечно, в искусстве. В послевоенный период Токио стал важным центром художественной деятельности. На это было несколько причин. Во-первых, Япония оправлялась от сокрушительного поражения и пересмотра глубоко укоренившихся культурных идей, например, лишения императора статуса божества. Во-вторых, Токио и вообще Япония проходили через стремительную реконструкцию, с целью стать мировым экономическим лидером. Но, возможно, самым важным фактором является то, что в Японии уже существовала долгая модернистская традиция, появившаяся еще в 1870-е годы, когда страна открыла свои двери для Запада.

Большое количество новшеств предоставило японским художникам богатую почву для реагирования, комментирования и критики, имея при этом основу в модернистских движениях 20-го века. Японские художники отреагировали на изменения, бросив вызов традиционным формам искусства и начав исследовать возможности для самовыражения за пределами галерей и музеев – в театрах, на станциях метро и на улице. В данной статье в хронологическом порядке рассмотрены движения, которые стали ключевыми для развития того, что мы сейчас называем современным японским искусством. 

 

 Дзиккен-кобо – Экспериментальная мастерская (実験工房)

 Хотя в период сразу после войны доминировала фигуративная сюрреалистическая живопись, вскоре ее затмили эксперименты, проводимые коллективами художников. Одной из первых была Экспериментальная мастерская, или Дзиккен-кобо, основанная в 1951 году 14 представителями арт-мира: несколькими художниками, архитектором, дизайнером освещения, инженером, композитором и хореографом. Первым событием группы стал балет «The Joy of Life», поставленный на музыку европейских и американских композиторов 20-го века, но представляющий собой современную форму танца Но.

 

Гэнби – Дискуссионная группа современного искусства (現代美術懇談会 – гэндай-бидзюцу-конданкай)

Основанная в 1952 году, Дискуссионная группа современного искусства, сокращенно – Гэнби, стала площадкой для японских художников, работавших в различных техниках, которых объединило желание свободно обсуждать идеи, независимо от их связи с какой-либо конкретной школой или движением. Такой подход превратил Гэнби в подобие анти-движения. 

Гэнби была создана несколькими художниками, в том числе Дзиро Ёсихара, позже основавшим группу Гутай. Ее участники экспериментировали с новыми формами искусства, совмещая современные и традиционные техники, восточные и западные влияния.

В группу также входил Вайти Цутака, художник из Осаки, который обычно избегал формальных художественных групп. Его творчество после Второй мировой войны было сосредоточено на идеях разрушения, но с 1952 года он перешел на абстрактные композиции со сбалансированными линиями и яркими цветами.

 

Гутай (具体美術協会 – гутай-бидзин-кёкай)

Художественная ассоциация Гутай была основана уже упоминавшимся художником, критиком и преподавателем Дзиро Ёсихара в 1954 году и стала одной из самых влиятельных авангардных арт-групп в послевоенной Японии. Первоначально она состояла из 16 членов, но к моменту смерти Ёсихара в 1972 году расширилась до 59. Со смертью лидера группа была распущена.

Движение Гутай ознаменовало переход от традиционного искусства к перформативному. Ёсихара переводил японское слово «гутай» как «конкретный», в противоположность «абстрактному», «теоретическому». Он призывал художников «делать то, что никогда не делалось раньше», радикально расширяя определение искусства. Члены группы Гутай создавали платья из лампочек (Ацуко Танака), прыгали через бумажные экраны (Сабуро Мураками) и рисовали ногами (Кацуо Сирага), что было их ответом на эссе художника Сёдзо Симамото «Killing the Paintbrush».

Собственные методы Симамото для убийства кисти были несколько другими: в 1956 году на второй выставке группы Гутай в Токио он создал свою первую работу «Bottle Crash»: он бросал бутылки с цветной краской на камень, помещенный на большой холст на полу. Созданная в 1991 году, «Bottle Crash» стала одной из самых больших работ, когда-либо предлагавшихся на аукционе.

Художники движения Гутай со своими революционными для того времени работами стали предшественниками таких направлений современного искусства, как хэппенинг, перформанс и концептуализм. Их произведения оказали огромное влияние на многих американских и европейских мастеров, таких как Аллан Капроу и Конрад Бо, лидеров более позднего движения Флуксус.

 

 Кюсю-ха (九州派)

 Кюсю-ха можно считать одной из самых инновационных из всех послевоенных японских арт-групп, однако до недавнего времени историки искусства часто упускали ее из виду. Частично это объясняется редкостью работ Кюсю-ха: считается, что из более чем 1000 произведений, созданных за первые четыре года существования группы, сохранилось только 90.

Тем не менее такая редкость хорошо отражает намерения группы. Основанная на острове Кюсю в 1957 году, группа Кюсю-ха выступала против создания долговечных произведений искусства. Искусство, по утверждению участников группы, могло быть сделано из любых повседневных предметов – от сломанного оборудования до асфальта и изношенных шин.

Материалы группы отражали взаимодействие с социальным контекстом, что необычно для этого периода. Их беспокоила нищета в горнодобывающих и фермерских общинах, быстрая модернизация Токио. В качестве примера можно привести работу «Modern Symmetry» художника из Кюсю-ха Таками Сакураи, выполненную с использованием асфальта.

 

Обсессивные художники (Obsessive artists)

Активные в 1960-х годах, обсессивные художники создавали работы, связанные с фантазиями о фрагментации и бесконечном повторении. Например, Яёй Кусама, известна всему миру точками, которые бесконечно повторяются на ее холстах, скульптурах и, в конечном итоге, на целых комнатах.

Для художника Томио Мики это было ухо. Мики сделал свою первую скульптуру-ухо в 1962 году, с тех пор он произвел сотни ушей различных размеров и конфигураций. Получив грант от Фонда Рокфеллера, Мики перебрался в Нью-Йорк в 1971 году. Он приобрел наркотическую зависимость и практически отказался от своего искусства. Он умер от сердечного приступа в 1978 году, когда ему только перевалило за 40.

 

Neo-Dada Organizers

В начале 1960-х годов в Токио появилась бунтарская группа из примерно десяти художников, назвавших себя Neo-Dada Organizers. Собираясь в студии художника Масунобу Ёсимуры в районе Синдзюку, они писали полемические трактаты, а затем выходили на улицы, чтобы проводить хэппенинги и акции, в которых поднимали такие темы, как модернизация, следование американским ценностям и капитализму.

Группа распалась уже в 1963 году, но один из главных член этого недолговечного движения, Гэмпэй Акасэгава, стал одним из создателей более организованного Hi-Red Center, где продолжал вызывать полемику. В 1964 году власти обвинили его в подделке денег, после того как он создал серию, где бытовые предметы были завернуты в ненастоящие купюры в тысячу йен.

Суд над Акасэгавой стал достаточно известен, начиная с того, что Hi-Red Center проводил перформансы в зале суда, посвященные вопросу: «Что такое искусство и чем оно не является?» Акасэгава был признан виновным. В ответ на приговор он создал серию банкнот в ноль йен, на которых были изображены слова «Настоящая вещь».

 

Hi-Red Center

Появившийся в 1963 году, недолговечный радикальный коллектив Hi-Red Center стал известен своими «акциями» – серией перформансов в общественных местах Токио, в которых выражалось беспокойство по поводу быстрой реструктуризации Японии и критиковалось ее послевоенное обращение к капитализму.

Hi-Red Center был основан художниками Дзиро Такамацу, Гэмпэем Акасэгава и Нацуюки Наканиси. Один из самых известных актов Hi-Red Center заключался в том, что его участники вышли мыть улицы города во время Олимпийских игр в Токио в 1964 году, что было их ироническим ответом на требования правительства по уборке города в то время, когда весь мир смотрит на него.

Самопровозглашенный «анти-художник», член-основатель Дзиро Такамацу создал огромное количество работ, большая часть которых теперь находится в музейных коллекциях. «Compound Painting No.388» была создана как часть серии Такамацу Compound (1974-1977): двумерные изображения сложных форм, затем переведенные на трехмерные фигуры.

 

Флуксус (Fluxus)

На ранних этапах движение Флуксус, основанное в 1961 году, действовало в основном в Нью-Йорке и Западной Германии, хотя вскоре в него включились несколько известных японских художников, среди которых Ёко Оно, Такако Сайто и Ай-О.

Движение стремилось оспорить идеи о том, что такое искусство. Флуксус ставил процесс выше результата, и, хотя это движение нельзя названо «японским», оно  международное по своему охвату, влияние  на него японских движений, включая Гутай, оказалось формативным. Основным принципом участники движения провозглашали спонтанность и отсутствие ограничений, поэтому они часто использовали такие формы, как хэппенинги, акции и т.д.

Один из участников движения, Ай-О, чье имя пишется двумя китайскими иероглифами, которые переводятся как «облако» и «тошнота», родился под именем Такао Иидзима в 1931 году. Известный своими яркими радужными картинами, художник также является изобретателем «коробочки для пальца», которая побуждает зрителей вставить палец в отверстие в боковой части коробки, чтобы соприкоснуться с материалом, скрытым внутри.

 

 

 Моно-ха (もの派)

 Начавшееся в 1968 году и распавшееся в начале 1970-х годов, движение Моно-ха оказало решающее влияние на японское современное искусство. Моно-ха буквально обозначает «Школа вещей». Члены этого движения изучали взаимодействия между природным и индустриальным, используя необработанные материалы, включая дерево, камень, стекло, бумагу и воду, находя свое художественное выражение в организации этих объектов в среде, часто временно и с минимальными манипуляциями.

Центральной идеей Моно-ха было стремление создать современное азиатское искусство. Они считали проблемой безоговорочное перенятие Японией международного модернизма. Кроме того, они также отвергали использование азиатских мотивов, проистекающих из буддизма или дзена.

В центре группы были корейский художник и философ Ли Уфан (род. 1936) и выпускники Художественного университета Тама, в том числе художник Нобуо Секин. Выполненная в 1970 году работа «Phase of Nothingness» была выставлена на 35-й Венецианской биеннале и состояла из куска мрамора, расположенного на зеркальной прямоугольной подставке.

---